UNrt révèle le passé – si vous savez regarder. Non seulement à travers l’enregistrement d’un paysage perdu, ou la personnalité inhérente à un portrait, mais dans sa structure, ses ingrédients, sa technique et dans son choix de sujet et de style. Pourtant, l’art du passé est souvent vu à travers une lentille moderne subjective. Nous avons du mal à regarder et à comprendre à cause de nos idées préconçues sur ce que l’art devrait être et de nos préjugés sur la période qui l’a produit. Avec l’art, le contexte, le but et le langage sont essentiels.

Le livre de Christina J. Faraday traite autant du langage et de la terminologie que de l’art. La vivacité Tudor se propose de découvrir comment les Tudor et l’Angleterre jacobéenne tardive ont produit et vu des œuvres d’art, dans le but de construire un vocabulaire approprié pour décrire l’art de l’époque. Faraday nous guide à travers un lexique déroutant et corrige notre mauvaise utilisation de termes apparemment familiers tels que «perspective» (plus sur la réalisation de la tridimensionnalité par l’ombrage et la couleur que sur la réalisation d’un espace pictural réaliste) et «contrefaçon» (imiter, pas tromper). De manière plus ambitieuse, le livre remet en question notre hypothèse selon laquelle une grande partie de l’art produit en Angleterre après la Réforme était rétrograde, isolé des grandes réalisations de la Renaissance européenne, et nécessairement iconophobe, craignant de représenter le monde réel de peur que cela ne suscite des émotions inappropriées et encourager l’idolâtrie. Comment cela peut-il être le cas, se demande Faraday, alors que tant d’art de la fin des années 1500 et du début des années 1600 était décrit à l’époque comme «vivant»?

La vivacité Tudor prend ce seul mot – « vivacité » – et le soumet à une interrogation approfondie, le dépouillant jusqu’à ses origines étymologiques, retraçant sa popularité et ses usages, et définissant ses multiples significations. Essentiellement, la « vivacité » dans l’art pourrait signifier trois choses dans l’Angleterre post-Réforme : une vivacité réaliste ; une force, ou puissance; et un plaisir d’exécution qui apporte un plaisir immersif à son public.

Ce sont tous des principes de la théorie rhétorique, telle qu’elle était comprise et employée à l’époque, et les liens entre la rhétorique et l’art sont explorés dans le livre de Faraday. Un bon artiste, tout comme un rhétoricien décent, visait à enseigner, à persuader et à ravir à travers une gamme d’approches stylistiques aux noms grecs inaccessibles comme énargie (engageant tous les sens grâce à la vivacité descriptive), mais la « vivacité » s’avère être un excellent descripteur abrégé pour l’ambition primordiale des deux.

Dans l’art du portrait, un portrait « vivant » ne signifiait pas nécessairement un portrait qui s’engageait nécessairement avec les exigences précises de la perspective, mais, par vraisemblance avec son sujet, évoquait un véritable engagement avec leur présence, renforcée par l’ajout d’éléments inspirants. impressionner (emblèmes ou devises), détails anecdotiques et décors décoratifs. Les portraits miniatures étaient particulièrement « vivants » lorsqu’ils inspiraient des liens émotionnels : portés sur des rubans autour du cou, à sortir et à contempler en privé, ils étaient non seulement des rappels vifs d’un être cher absent, mais aussi des porteurs de messages secrets. Contextualiser le but et le caractère de l’art de cette manière signifie que nous pouvons réévaluer les ambitions et les réalisations d’artistes comme Nicholas Hilliard, souvent critiqué pour son artificialité obscure, comme si la quête du naturalisme de la Renaissance était la seule mesure de la valeur artistique qui comptait.

Dans le livre de Faraday, nous découvrons comment les illustrateurs ont adopté la «vivacité» lorsqu’ils ont créé des diagrammes concis, clairs dans leur objectif de communication et – dans le cas, par exemple, des livres contextuels anatomiques – conçus pour encourager l’apprentissage kinesthésique. Nous entendons comment les artistes itinérants «présentent de manière vivante» leurs interactions avec des cultures lointaines à travers des dessins qui aspirent à faire vivre au lecteur leur aventure de première main. Et nous apprenons comment la «vivacité» à la maison ou à l’école a été obtenue grâce à des images d’instruction morale chrétienne réinventées dans des décors et des costumes contemporains et reconnaissables, et la personnification d’objets inanimés par l’ajout de simples «poésies» à la première personne. Comme le dit succinctement un pot de chambre du milieu du XVIIe siècle : « Je suis la Terre, c’est très vrai, ne me dédaigne pas car tu l’es aussi.

On ne sait pas exactement dans quelle mesure cela était évident pour un artiste au travail, un illustrateur de livres ou un barbouilleur de pots de chambre. Tout le monde ne lisait pas Quintilian dans les années 1600, et il est difficile de trouver des preuves d’une «démocratisation spectaculaire de l’art de la rhétorique», dont l’enseignement, admet Faraday, était principalement limité aux hommes de la classe patronale et à quelques femmes exceptionnelles. Et, bien sûr, ce n’est pas parce qu’une matière a été enseignée qu’elle a été comprise ou acceptée, alors que la critique d’art qui a avoué et promu des principes rhétoriques est «mince sur le terrain». Au lieu de cela, l’auteur soutient qu’une prise de conscience des principes généraux et des effets des dispositifs rhétoriques a façonné des « habitudes de pensée inconscientes ».

Néanmoins, à travers le contre-interrogatoire complet d’un seul mot, la culture et la personnalité du passé sont mises en évidence. Nous pouvons regarder la particularité extraterrestre d’une peinture aussi complexe et multicouche que le ‘Henry Unton Memorial Portrait’ – réalisé par un artiste inconnu vers 1596 – et retrouver ‘quelque chose de sa puissance originelle’. La réalisation de ce livre merveilleusement illustré et abondamment référencé est de nous faire nous demander comment nous devrions regarder l’art post-Réforme, et de trouver notre propre plaisir dans ses excentricités et son flair rhétorique.

Tudor Liveliness: Vivid Art dans l’Angleterre post-réforme
Christina J. Faraday
Yale University Press, 208 pages, 45 £
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Brett Dolman est conservateur (collections) au palais de Hampton Court.